Más críticas | Estrenos de cine  | Por J. Valer (@jauvaler)

Poco a poco, con un peculiar estilo, y con apenas cinco títulos en su filmografía, el director y guionista Alexander Payne se ha convertido en un referente dentro del cine americano actual. Los descendientes, su esperada y última película, confirman las expectativas generadas sobre un cineasta único que sigue evolucionando y sorprendiendo.

Adaptando la novela Kaui Hart Hemmings, el punto de partida del argumento no ofrece ninguna novedad temática: un abogado absorbido por su trabajo tiene que replantearse su vida, sobre todo familiar, después de que su mujer quede en coma a raíz de un accidente.

Pero en las manos del responsable de títulos como Election o Entre copas, la cosa cambia; lo que presumiblemente podría ser un gran dramón se convierte en una historia cargada de humanidad, donde se fusionan lo cómico y lo dramático sin ningún esfuerzo aparente a través de un arriesgado tono que resulta tan real, que parece inverosímil.

Ese es el gran acierto de Payne, no sólo como realizador si no como guionista (junto a Jim Rash y Nat Faxon): convertir la historia más desgarradora en una comedia ligera donde sus brillantemente planteados personajes muestran sus flaquezas y evoluciones a través de conflictos y relaciones familiares.

El peso del film, y también su carisma, recaen sobre un brillante George Clooney que borda el papel de padre desesperado ante los cambios de su entorno, y junto a él la revelación de la película Shailene Woodley (conocida por la serie Vida secreta de una adolescente), la debutante Amara Miller  y un nutrido grupo de secundarios como Judy Greer, Robert Foster, Beau Bridges o Nick Krause.

 Los descendientes cuenta con 5 nominaciones al Oscar incluidas mejor película, director y actor.

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No es ninguna sorpresa que la maquinaria hollywoodiense se haya fijado en el arrollador éxito de las novelas de Stieg Larsson, y más después de la precipitada, y un tanto fallida, versión sueca, para hacer un lujoso remake capitaneado por el gran David Fincher.

No hay nada nuevo que aportar desde el punto de vista argumental, incluso se puede decir que el guión firmado por Steven Zaillian es más fiel a la novela que su antecesora, aunque el resultado es mucho más preciso y satisfactorio, no sólo desde el punto de vista narrativo, donde se aporta claridad en la resolución de las tramas, sino también desde un cuidado y logrado acabado técnico perfectamente orquestado por el director de títulos como El club de la lucha o La red social.

Desde su prólogo coronado con unos hipnóticos títulos de crédito, pasando por su gélida puesta en escena, la brillante utilización del montaje o su espectacular banda sonora, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres es un perfecto ejercicio que tiene su mayor lastre en la popularidad de la novela que adapta y en la reciente versión cinematográfica y televisiva que una gran mayoría ya conocen, y aunque este versión mejore mucho la calidad del producto, sólo aquellos que desconocen el material previo podrán disfrutar plenamente de esta notable película.

El gran acierto de la propuesta de Fincher está en la lograda química de la pareja protagonista, y en la detallada composición de sus personajes: Daniel Craig (Detrás de las paredes) va más allá de ser el reclamo publicitario del film con un trabajo creíble y Rooney Mara (La red social), al igual que ocurriese con Noomi Rapace en la versión sueca, se convierte en la revelación del film a través del personaje bombón de Lisbeth Salander.

En definitiva, un film oscuro, turbio, perfectamente realizado y bastante notable.

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Lo mejor del cine estrenado a lo largo del año 2011, mis diez títulos imprescindibles…

 1. NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN de Asghar Farhadi

 por su magnífico y emocionante guión…

porque atrapa al espectador contagiando los sentimientos de los personajes…

por el gran trabajo de su reparto…

por la valentía de Asghar Farhadi…

y porque es mi película del año.

2. CISNE NEGRO de Darren Aronofsky

por Natalie Portman, deslumbrante y fascinante…

por el buen hacer (una vez más) de Darren Aronofsky…

por su puesta en escena: arriesgada, brillante, efectista y poética…

por su apabullante número final…

porque recupera a Winona Ryder…

3. BEGINNERS (PRINCIPIANTES)  de Mike Mills

por su propuesta visual y su originalidad…

porque es conmovedora…

porque Ewan McGregor y Melanie Laurent están estupendos…

por Christopher Plummer, impresionante…

por su positividad…

 4. LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodóvar

por el debate que ha generado entre detractores y partidarios…

porque es la mejor película española de año…

por Elena Anaya…

por la adictiva banda sonara de Alberto Iglesias…

porque Almodóvar consigue incomodar y fascinar con un thriller sorprendente…

5. DRIVE de Nicolas Winding Refn

por su elegante y vibrante propuesta, incluida la historia más romántica del año…

por su espectacular banda sonora (canciones incluidas)…

porque sorprende…

porque Ryan Gosling está perfecto en su interpretación…

porque Carey Mulligan siempre es un aliciente…

6. UN MÉTODO PELIGROSO  de David Cronenberg

porque aparentemente es la propuesta más convencional de Cronenberg, cuando no lo es…

por Keira Knightley, lo mejor del film…

porque es el año de Michael Fassbender…

porque perturba…

porque ha pasado desapercibida injustamente…

7. THE ARTIST de Michel Hazanavicius

porque ha sido la sorpresa que nadie esperaba…

por la originalidad de su propuesta…

por Jean Dujardin…

porque tiene un par de escenas memorables…

porque es un film irrepetible…

8. NUNCA ME ABANDONES de Mark Romanek

porque es terriblemente bella a la par que imperfecta…

porque lo minimalista y ciencia ficción no están reñidos…

porque Carey Mulligan está perfecta…

porque emociona…

y porque te atrapa…

9. MIDNIGHT IN PARIS de Woody Allen

 porque ha vuelto el mejor Woody Allen…

porque, por fin, me creo a Owen Wilson…

porque tiene uno de los mejores, y equilibrados, repartos del año…

porque me recuerda a La rosa púrpura del cairo…

y por poner en el mapa a Corey Stoll…

10. EL TOPO de Tomas Alfredson

porque Gary Oldman se merecía una película así…

por el talento de Tomas Alfredson…

por su factura artística…

por el gran trabajo de todo el elenco de secundarios…

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Camuflada entre los estrenos navideños, y seguramente aprovechando el tirón de la temporada de premios, se estrena Drive: un brutal e intenso thriller, un peliculón atrevido y sorprendente más que recomendable.

Adaptación homónima de la novela del escritor James Sallis, llego sin hacer mucho ruido y fue una de las sorpresas de la última edición del Festival de Cannes, donde se alzo con el premio al mejor director para el danés Nicolas Winding Refn. La historia se centra en un conductor que alterna su trabajo en un taller con colaboraciones como especialista para películas, pero que también conduce para atracadores. Todo da un giro importante cuando conoce a su vecina y su hijo.

Drive es un thriller elegante y trepidante con lo mejor del género que te atrapa desde su inquietante prólogo, un espectáculo de entretenimiento con logradas secuencias de acción, aires de cine ochentero, altas dosis de violencia y poética con una poderosa historia romántica de fondo.

Está protagonizada por un impecable Ryan Gosling (Half Nelson), que realiza un gran trabajo perfecto para transmitir información del complicado interior de su personaje (sus miradas y sus silencios no podrían decir más) y que derrocha química con la emergente y siempre bella Carey Mulligan (An education) completamente adorable  en sus secuencias del film.

Les acompañan con un trabajo solvente y efectivo Bryan Cranston (estrella de la serie Breaking Bad), Ron Perlman (Hellboy), Albert Brooks (La musa) y Oscar Isaac (Ágora).

En definitiva, una explosión visual de talento con alguna secuencia memorable, un director curtido a tener en cuenta en próximos proyectos y una pareja modélica de actores de lo mejorcito de la cantera actual. Un peliculón.

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El director sueco Tomas Alfredson vuelve a sorprender con un thriller complejo, inquietante e interpretado de manera brillante.

Nueva adaptación de la novela de la década de los 70 de John le Carré, ambientada en plena guerra fría, el argumento plantea una intriga en torno a la figura de un agente del servicio secreto británico separado de la organización, que es reclutado de nuevo para investigar en secreto la sospecha de un posible agente que actúa como topo del servicio secreto.

Con un ritmo pausado y gran precisión, el film se recrea en sus personajes, en su nostalgia y en su soledad, para poco a poco ir dando sentido a una trama compleja y resuelta de forma más que efectiva por el director de Déjame entrar, que con su segundo film apunta maneras y sale airoso del reto de adaptar el clásico literario.

La atmósfera de El topo encuentra su mejor aliado en su factura técnica: la dirección artística resulta perfecta, y lo mismo se puede decir del juego de luces y sombras del director de fotografía suizo Hoyte Van Hoytema y de la precisa y estupenda música compuesta por el siempre efectivo Alberto Iglesias.

Gary Oldman (El caballero oscuro) encabeza un gran e ilustre reparto con un trabajo contenido y preciso. Le acompañan un plantel de secundarios de lujo: John Hurt (El hombre elefante), Mark Strong (La legión del águila), Colin Firth (El discurso del rey), Kathy Burke (Los golpes de la vida), Tom Hardy(Origen), Toby Jones (El velo pintado) o Benedict Cumberbatch (protagonista de la serie Sherlock) entre otros.

La única pega que se puede poner al film, es que es fácil imaginar quien es el topo en el tramo final.

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Fue la sensación en la última edición de Cannes, ha arrasado en su periplo festivalero consiguiendo el favor del público, acumula premios de la crítica especializa y va lanzada en la carrera hacia el Oscar, sin duda, una de las sorpresas cinematográficas del año.

The artist no deja de ser una película arriesgada, pocos apostarían a priori por un film francés, mudo y rodado en blanco y negro,que destaca por su original propuesta: un sentido homenaje al cine, mezclado con nostalgia, y alguna extravagancia, que dibuja una sonrisa imborrable a lo largo de su metraje.

Situada a finales de los años 20, en la transición del cine mudo al sonoro, el film se centra de forma paralela en la gran estrella del momento, George Valentin, que verá como los cambios de la industria transforman su posición, y en la joven aspirante a actriz  Peppy Miller, que aprovechará los nuevos tiempos para lanzar su carrera.

Escrita y dirigida por Michel Hazanavicius, prácticamente desconocido fuera del país galo donde triunfó con una parodia del cine de espías OSS 117 y su secuela, The artista juega con la imitación del cine de la época como recurso narrativo, desde el formato 4:3 a la utilización de la banda sonora por ejemplo, adaptándolo de manera precisa e invisible al espectador contemporáneo, construye una historia sencilla y universal para todo tipo de públicos, y al mismo tiempo se recrea en referencias cinematográfica (inevitable pensar en Chaplin o Keaton, o en títulos como Ha nacido una estrella, El crepúsculo de los dioses o Cantando bajo la lluvia), explota el lado cómico de la historia rozando la parodia,  y de paso, puede presumir de un gran trabajo técnico y de alguna escena memorable bien sea con un traje, un vaso o un baile.

El mecanismo del film termina de funcionar gracias al fabuloso trabajo del actor Jean Dujardin (Pequeñas mentiras sin importancia), premiado en el Festival de Cannes, y de la frescura de la actriz de origen argentino Bérénice Bejo (Destino de caballero), esposa del director, acompañados por los actores americanos John Goodman, James Cromwell o Penelope Ann Miller.

En definitiva, una película notable, irrepetible, original y muy recomendable si se sabe disfrutar.

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En tiempos donde muchas de las propuestas cinematográficas apuestan por éxitos literarios del momento, o incluso por los inevitables remakes de éxitos recientes, no resulta novedosa la reiterada revisión de obras clásicas, ya que ofrecen historias eternas que funcionan, y siempre hay una generación nueva a la que llegar.

Después de las habituales adaptaciones de Shakespeare o Austen, le llega el turno a Charlotte Brontë y su Jane Eyre; una  novela romántica y oscura del sigo XIX innovadora por la forma de pensar y actuar de su protagonista, una joven rechazada por su tía política, su única familia, y educada en un orfanato, que será contratada como institutriz en la misteriosa mansión del señor Rochester.

El primer aliciente de esta nueva adaptación está en la figura de su director, el joven americano de origen japonés y sueco Cary Joji Fukunaga, que sorprendió con su ópera prima  Sin nombre, un duro retrato sobre la inmigración ilegal, y que sale airoso en su aventura británica ofreciendo una visión intimista y poética que juega con los silencios, las miradas o los gestos, pero que en ningún momento deja de lado a sus personajes y su evolución.

Sin entrar en valorar los pasajes de la novela que se han suprimido en la adaptación, el guión de Moira Buffini (Tamara Drewe) consigue funcionar muy bien y,  por primera vez en una adaptación de la obra de Brontë, rompe la estructura lineal con  la introducción de algún flashback que encaja perfectamente en el cuerpo del film.

Por otro lado, la factura técnica y el diseño de producción resultan impecables, destacando la fotografía del brasileño Adriano Goldman y la bella partitura de Dario Marianelli (Expiación).

 La Jane Eyre de Fukonaga es una mujer fuerte y valiente en un film detallista y preciso, que cuenta con un reparto que resulta perfecto; una bella y pálida Mia Wasikowsca (Los chicos están bien) magnífica en su papel, acompañada por Michael Fassbender (Un método peligroso), que suma un nuevo registro y otro gran trabajo en el año de su despegue hacia la cima, la siempre eficiente Judi Dench (Nine) y un correcto Jamie Bell (inolvidable Billy Elliot), seguramente lo más flojo del film.

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David Cronenberg (Promesas del este) se adentra en los orígenes del psicoanálisis con un film complejo e inquietante disfrazado de drama costumbrista que ofrece mucho más de lo que aparenta.

Basada en la obra teatral The talking cure del guionista y cineasta Christopher Hampton (también guionista del film), y que a su vez adapta la novela de John Kerr A Most Dangerous Method, la trama se centra en la tormentosa relación que se establece entre Carl Jung y una de sus pacientes, la joven Sabina Spielrein, que tiempo después de convertirá también en analista, baja la atenta mirada del mentor de Jung, Sigmund Freud.

Un método peligroso va más allá del estereotipado drama biográfico de época,  y aunque no abandone en ningún momento el rigor histórico en ninguno de sus aspectos, el auténtico hallazgo del film está en la evolución que van sufriendo los personajes arrastrados hacia la búsqueda de los enigmas de la psique del ser humano, siendo ellos mismos pacientes de sus propias teorías.

El director de títulos como La mosca o Crash sale airoso de una propuesta complicada, con diálogos densos, e incluso con una arriesgada estructura temporal, que encuentra el equilibrio perfecto en el apasionante seguimiento de unos personajes interpretados brillantemente.

La sorpresa del film (quizás por ser de la que menos se esperaba) llega con el complejo y talentoso trabajo de Keira Knightley (Expiación), incluidos sus forzados movimientos en la primera parte del film. Junto a ella, y no menos talentoso, Michael Fassbender (X Men Primera generación), el actor revelación del año, ofrece un turbador retrato de Jung, sin olvidar los breves e intensos  trabajos de Viggo Mortensen (Una historia de violencia) y Vincent Cassel (Cisne negro).

En definitiva, un film perturbador e interesante, muy recomendable a pesar de que seguramente no será del agrado de todos, pero que sin ninguna duda rebosa talento.

Más críticas | Estrenos de cine  | Por J. Valer

Después de su mediática reclusión por sus problemas con la justicia, el gran Roman Polanski regresa con una ácida y divertida visión de la condición humana que sabe a poco, a pesar del esfuerzo de un cuarteto de actores magníficos.

Adaptando la famosa obra teatral de Yasmina Reza, que firma el guión junto al director de títulos como El escritor o Chinatown, Un dios salvaje no oculta en ningún momento sus orígenes teatrales respetando la narración en tiempo real y un único escenario para sus breves ochenta minutos de duración, que sólo se rompen con dos pequeñas secuencias con plano fijo que sirven para abrir y cerrar el film, y donde se puede disfrutar de una ejemplar partitura del compositor francés Alexandre Desplat.

La reunión de dos parejas para tratar la agresión donde se han visto envueltos sus respectivos hijos es la excusa para hacer un retrato social que va de menos a más, de lo cordial a lo abrupto jugando con grandes dosis de sarcasmo y humor que sorprenden y entretienen, pero que saben a poco pensando en si se hubiese ido un poquito más allá con la trama.

El film está bien rodado y dirigido, y su gran baza (y casi todo su peso) recae sobre un reparto sobresaliente donde sus actores cumplen sobradamente con su cometido: las oscarizadas  Jodie Foster (El castor) y Kate Winslet (The reader) ofrecen lo que se espera de ellas, pero son Christopher Waltz (Malditos bastardos) y John C. Reilly (Cyrus) las auténticas estrellas de la película.

En definitiva, un sencillo ejercicio con diálogos brillantes y grandes interpretaciones, pero que no puede disfrazar su carácter de obra menor dentro de la filmografía de un gran director.

Más críticas | Estrenos de cine  | Por J. Valer

El director Tate Taylor, también actor y guionista, entra por la puerta grande dentro de la industria hollywoodiense con su segundo film Criadas y señoras, un correcto melodrama emotivo y efectista, que tiene su mejor baza en su amplio reparto femenino.

Adaptación del best seller homónimo de Kathryn Stockett, la acción se sitúa en la década de los 60 en Mississippi, donde la joven Skeeter regresa a casa después de estudiar en la universidad. Sueña con ser escritora, lo que choca con la mentalidad tradicional de su entorno, que ven en el matrimonio y la familia sus máximas aspiraciones, y junto a dos criadas comienza a trabajar en una historia clandestina para intentar cambiar las cosas.

La temática del film no es original: el racismo que sufría la población negra en EEUU, aquí reflejado a través de varias mujeres que trabajan para familias blancas adineradas criando a sus hijos, la novedad, y quizás el secreto de su éxito (ha sido el film revelación de la taquilla veraniega americana), aparece en el punto de vista elegido para narrar la historia, que huye del habitual tono dramático para cambiar el discurso hacia las vivencias personales, el carácter conciliador e incluso un acertado toque de comedia que hacen que su largo metraje resulte más que ameno.

Todo resulta correcto y equilibrado, y se nota el esfuerzo por alejarse de posibles confrontaciones pasando de puntillas por el contexto histórico, pero el film funciona y su visionado resulta amable, a pesar de los blando del producto.

La gran baza del film, además del material del best seller, es su acertado reparto: una estupenda protagonista con madera de futura estrella Emma Stone (Rumores y mentiras), la confirmación del talento de la gran Viola Davis (La duda), la actriz revelación de la temporada Jessica Chastain (El árbol de la vida o La deuda), el buen hacer de Bryce Dallas Howard (Más allá de la vida), la colaboración de dos pesos pesados: Sissy Spacek (En la habitación) y la gran Allison Janney (Juno), y la sorpresa de la película Octavia Spencer, quizás lo mejor del film.